El mundo de la música académica poco a poco se está familiarizando con las formas en que la enseñanza convencional de la teoría musical sirve a los músicos en ejercicio bastante mal. El movimiento de pedagogía de la música pop, encabezado por Lucy Green, está haciendo un trabajo creativo destinado a alinear la educación musical con la forma en que las personas experimentan y entienden la música en el presente. En lugar de tratar de identificar un cuerpo de obras canónicas y un conjunto limitado de reglas definidas por ese canon, debemos adoptar un enfoque etnomusicológico. Deberíamos preguntarnos: ¿qué están haciendo los músicos que suena bien? ¿Qué patrones podemos detectar en la gran cantidad de música que se hace y disfruta en el mundo?
Tengo mi propio conjunto de ideas sobre lo que constituye la música de práctica común en Estados Unidos en 2014, pero también vengo con mi conjunto de prejuicios y preferencias. Sería mejor tener algunos datos sólidos sobre lo que todos creemos colectivamente que hace que la música sea válida. Trevor de Clerq y David Temperley han intentado valientemente construir tal conjunto de datos, al menos dentro de un área específica: las prácticas armónicas utilizadas en el rock, tal como se define en la lista de la revista Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Temperley y de Clerq transcribieron las 20 mejores canciones de cada década entre 1950 y 2000. Puede ver los resultados en su artículo, “Un análisis de corpus de la armonía del rock”. También tienen un sitio web donde puede descargar sus datos en bruto y analizarlos. usted mismo Todo el proyecto es una obra maestra de la teoría de la música descriptivista, a diferencia del tipo prescriptivista pesado.
Por supuesto, el Rolling Stone Top 500 tiene algunos problemas como conjunto de datos. En primer lugar, no hay un acuerdo común sobre a qué se refiere la palabra “roca”. Temperley y de Clerq identifican dos sentidos principales de la palabra. Existe el sentido que usa Rolling Stone, un término general para la música popular angloamericana de finales del siglo XX. Según esta definición, el rock incluye estándares de soul / R & B, éxitos disco, pop a mitad de camino y algunas canciones icónicas de country, jazz y hip-hop. Por otro lado, existe el sentido más estrecho y descriptivo de la palabra “rock” que incluye a Led Zeppelin y Aerosmith, pero excluye específicamente el jazz, el hip-hop, etc. Tomando este punto de vista, la lista de Rolling Stone no es realmente una lista de canciones de rock; es una lista de “las mejores canciones de la era del rock”. Temperly y de Clerq no se atascan demasiado en la semántica; La lista de Rolling Stone es una colección pop de consenso tan completa como existe, por lo que es un buen lugar para comenzar.
- ¿Los profesores odian calificar los trabajos?
- ¿Cómo debe prepararse un estudiante de primer año para una carrera académica?
- ¿Qué científicos modernos tienen historias de vida bien documentadas que pueden servir como modelos a seguir para una nueva generación de científicos?
- ¿Cuáles son algunos temas nuevos en el campo de la teoría de la música?
- ¿Hay alguna desventaja en convertirse en científico?
Algunos resultados saltan del estudio. Como era de esperar, el tónico I es el acorde más utilizado en el corpus de Rolling Stone. Sin embargo, el siguiente acorde más común es IV, y con mayor frecuencia precede a I. De inmediato, tenemos un conflicto con la teoría clásica tradicional, donde el bloque de construcción tonal más básico es la cadencia VI. Rock usa mucho VI, pero usa aún más IV-I. Y el tercer acorde pre-tónico más común en el rock no es ii, como era de esperar si fueras a la escuela de música; es bVII, que refleja el amor de los músicos de rock por el modo mixolidio. Estos mismos tres acordes, IV, V y bVII, también son los más propensos a seguir el tónico en el rock, de nuevo muy en desacuerdo con la práctica clásica. Temperley y de Clerq observan:
A la luz de estos datos, uno podría concluir que el rock no está gobernado por reglas de ‘progresión’ en absoluto; más bien, simplemente existe una jerarquía general de preferencia para ciertas armonías sobre otras, independientemente del contexto.
En la música de práctica común, la teoría convencional dicta que se prefieren ciertos patrones de raíz sobre otros: el movimiento ascendente por cuartos es especialmente normativo (mucho más que el cuarto movimiento descendente); los tercios descendentes son favorecidos sobre los tercios ascendentes, y los segundos ascendentes sobre los segundos descendentes (Schoenberg 1969). ¿Se observan también estos principios en la roca? Se puede ver de inmediato que las normas de la música de práctica común no se cumplen. Para cada intervalo, las formas ascendentes y descendentes son más o menos iguales en frecuencia. El cuarto perfecto ascendente es casi exactamente tan común como el cuarto perfecto descendente; para otros intervalos, también, se ve un patrón similar. La frecuencia de los intervalos disminuye de manera muy regular a medida que aumenta la distancia del círculo de quintas.
El blues es un pilar central del rock, y el blues viola algunos principios de la armonía clásica de práctica común. La más grande es la distinción entre mayor y menor. El sonido del blues es en gran parte el sonido de melodías menores y extensiones de acordes sobre progresiones de acordes mayores. Los sabores de rock más orientados al blues son igualmente ambiguos en su identidad mayor / menor. Muchas veces, los acordes de rock no son mayores ni menores, como el famoso acorde de poder, que es solo la raíz-quinta raíz.
La situación armónica se complica aún más si incluye hip-hop en el conjunto de datos. La lista de Rolling Stone incluye “Bring The Noise” de Public Enemy, que no tiene ninguna armonía triádica en absoluto. Temperley y de Clerq trataron eso simplemente al no incluir la pista en su análisis, lo cual es desafortunado. Una teoría real de la música contemporánea tendría que tratar con el hip-hop, que puede no tener tríadas, pero tiene líneas vocales fuertemente melódicas, armonías modales y, a veces, disonancias y microtonos muy crujientes.
En mi opinión, la idea más intrigante presentada por de Clerq y Temperley es la supermode, la colección de tonos más utilizados en las melodías de rock:
Temperley explica:
El supermodo podría verse como la unión de los modos jónico (mayor) y eólico (menor natural); También podría pensarse en él como un conjunto de grados de escala adyacentes en la línea de quintas, que se extiende desde el grado 6 en escala plana hasta el grado 7. En términos armónicos, esta colección excluye solo dos grados en escala, grado en escala 4 / grado en escala 5 y escala nítida grado 1 / grado plano 2: precisamente los mismos grados que están fuera de la colección a escala “global” de música de práctica común.
Me gusta la idea del supermodo. La obsesión de la música clásica con la escala mayor va en contra de la intuición de la mayoría de los estadounidenses. Claro, nos gusta la escala mayor bien, pero no se siente como la Escala Generativa Verdadera Uno que la música clásica sostiene que es. Los séptimos planos suenan como “naturales” para mí como séptimos naturales. (En realidad, los séptimos séptimos son mucho más bajos en la serie de armónicos; se podría argumentar que mixolydian debería ser One One Scale). Creo que la mejor idea sería enseñarles a los niños el supermodo, en lugar de golpearlos con la confusión. idea de que tienes que modificar la escala principal para obtener los sonidos a los que estás acostumbrado.
La versión original de esta publicación está en mi blog: Hacia una mejor teoría musical.
Vea la publicación de seguimiento: ¿ puede la ciencia hacer una mejor teoría musical ?
