¿Qué puede aprender un artista de un científico?

Lo más concreto que un artista puede aprender de los científicos son las nuevas técnicas y tecnologías. Esto puede parecer un poco, no sé, ¿bajo de la frente? Y ciertamente el arte es más que una mera técnica. Pero la técnica es importante y puede, por sí sola, abrir nuevas vías de expresión artística.

Viniendo de la informática computer, los ejemplos más comunes de esto con los que me encuentro provienen de la música informática . El advenimiento de la música electroacústica se debe específicamente a los avances tecnológicos, comenzando con dispositivos analógicos y pasando a las computadoras digitales. Movimientos completos como mu sique concrète y composiciones únicas como It’s Gonna Rain de Steve Reich solo son posibles gracias a los avances tecnológicos. Y sin embargo, claramente, esto es más que una técnica novedosa: es una filosofía de composición novedosa, un nuevo tipo de música.

Ahora la tecnología detrás de It’s Gonna Rain parece casi pintoresca y anticuada, pero la pieza se basa en sus propios méritos. (Nos guste o no, y mucha gente no lo hace, es significativo ).

Esto también aparece en el arte visual. Yo tampoco soy artista, pero conozco algunos, incluida mi madre. Una cosa que me llevó un tiempo darme cuenta es cuánto conocimiento de fondo de bajo nivel debe tener un artista. Deben tener la comprensión de un ingeniero o un científico de sus herramientas: cómo se combinan los diferentes pigmentos, cómo cambia la pintura a medida que se seca, cómo se comporta en diferentes superficies …

Del mismo modo, si quieres reproducir o jugar con la realidad, primero debes entenderla. Y aunque una comprensión intuitiva de la realidad puede ser suficiente, un artista puede obtener una profundidad adicional al estudiar campos relevantes como la óptica y la biología. Los músicos necesitan acústica, y algunas investigaciones modernas interesantes en música se mueven en esta dirección. Como ejemplo concreto, el Centro de Nueva Música y Tecnología de Audio de Berkeley (CNMAT) dedica un gran esfuerzo a estudiar cómo se propaga el sonido en 3D para optimizar la colocación de los altavoces, tanto para mejorar la música existente como para habilitar nuevas técnicas de grano fino.

(Figura del modelado volumétrico de campos acústicos en el teatro de espacialización sonora del CNMAT).

Y luego hay ideas de alto nivel que uno puede obtener. Las matemáticas son hermosas y pueden inspirar diseños y composiciones que no surgirían por sí mismas. Cumplir con las reglas matemáticas nos permite superar nuestros propios sesgos estéticos y llegar a lugares nuevos, casi extraños. Esto podría implicar el uso de matemáticas, como Escher o Xenakis, o la aplicación de razonamientos formales matemáticos a su arte. (Creo que cualquier sistema formal es matemática, pero ciertamente hay muchos sistemas que a los matemáticos no les interesan). Esto puede aplicarse a cualquier tipo de arte, pero parece que los teóricos de la música son el mejor ejemplo con compositores famosos como Bach. como los matemáticos

Escher específicamente, creo, atrae más a los matemáticos que a los artistas, pero sigue siendo un buen ejemplo.

El movimiento Oulipo francés en la literatura de vanguardia es otro ejemplo maravilloso: los escritores compusieron novelas y obras misteriosas, perspicaces y distintas al centrarlas en reglas similares a las matemáticas (“escritura restringida”). Las restricciones generan creatividad, y las matemáticas, ya sea directamente o como una vaga inspiración, son una de las mejores fuentes de restricciones interesantes.

Los artistas también se basan implícitamente en fenómenos sorprendentemente complejos que se entienden mejor a través de la ciencia y las matemáticas. Por ejemplo, muchas técnicas implican explícita o implícitamente aprovechar el ruido aleatorio . El grano de papel, la forma en que el dolor gotea, el golpe del impresionista contienen información (en un sentido teórico de la información) más allá de lo que el artista suministra directamente. Este es otro ejemplo de dónde los artistas pueden llegar bastante lejos a través de la experimentación y la intuición, pero ese es un enfoque inherentemente local.

Creo que comprender y usar la aleatoriedad directa y sistemáticamente es una de las mejores cosas que un artista podría aprender de las ciencias y las matemáticas. Permitiría a los artistas ser más conscientes de cómo la aleatoriedad juega en sus obras y cómo usarla de maneras menos obvias.

notas al pie
¹ Lo cual no es necesariamente una ciencia per se , pero ya sabes, lo que sea.

El arte ha aprendido mucho de la ciencia.

Sin embargo, hay un científico que ha contribuido al arte, al influir en la visión de los artistas sobre el ser humano más que ningún otro, conocer al inventor de LSD

Albert Hoffman .

Albert Hofmann nació en Baden, Suiza, en 1906. Se graduó de la Universidad de Zürich con un título en química en 1929 y se fue a trabajar para Sandoz Pharmaceutical en Basilea, Suiza. Con el objetivo de laboratorio de trabajar hacia el aislamiento de los principios activos de las plantas medicinales conocidas, Hofmann trabajó con la esquila mediterránea (Scilla maritima) durante varios años, antes de pasar al estudio de Claviceps purpurea (ergot) y alcaloides del cornezuelo.

En los años siguientes, se abrió camino a través de los derivados del ácido lisérgico, y finalmente sintetizó LSD-25 por primera vez en 1938. Después de una prueba mínima, el LSD-25 se dejó de lado mientras continuaba con otros derivados. Cuatro años después, el 16 de abril de 1943, volvió a sintetizar el LSD-25 porque sintió que podría haberse perdido algo la primera vez. Ese día, se convirtió en el primer humano en experimentar los efectos del LSD después de ingerir accidentalmente una pequeña cantidad. Tres días después, el 19 de abril de 1943, decidió verificar sus resultados al ingerir intencionalmente 250 ug de LSD. Este día se ha conocido como el “Día de la bicicleta”, ya que Hofmann experimentó un increíble paseo en bicicleta camino a casa desde el laboratorio.

De: Bóveda Erowid Albert Hofmann

Es importante tener en cuenta que, al igual que la moda y el estilo, las teorías científicas y los enfoques de la química y la psicología cambian. Las prácticas que, en un momento, pueden promocionarse como vanguardias dentro del campo de la ciencia, pueden convertirse rápidamente en pases con avances y nuevos descubrimientos.

Con esto en mente, los trabajos de Hoffman deben ser reconocidos por la influencia que proporcionó para su tiempo, en lugar de desde la perspectiva de lo que poseemos actualmente de LSD.

Si no fuera por Hoffmann, todo el género del arte psicodélico, tal como lo conocemos, no existiría.

Elección del curador: pósters

Sin LSD, no habría Lucy en el cielo con diamantes .

Varios trabajos del escritor clásico Aldous Huxley fueron escritos como consecuencia de experimentar con LSD y otras drogas psicodélicas.

Cielo e infierno (ensayo) – Wikipedia

En sus propias palabras, un extracto de LSD -Mi Problema Niño :

Comparto la creencia de muchos de mis contemporáneos de que la crisis espiritual que impregna todas las esferas de la sociedad industrial occidental solo puede remediarse mediante un cambio en nuestra visión del mundo. Tendremos que cambiar de la creencia materialista y dualista de que las personas y su entorno están separados, hacia una nueva conciencia de una realidad que lo abarque todo, que abrace el ego experimentador, una realidad en la que las personas sienten su unidad con la naturaleza animada y todo creación. Todo lo que pueda contribuir a una alteración tan fundamental en nuestra percepción de la realidad debe, por lo tanto, llamar la atención. El principal de estos enfoques son los diversos métodos de meditación, ya sea en un contexto religioso o secular, cuyo objetivo es profundizar la conciencia de la realidad a través de una experiencia mística total. Otro camino importante, pero aún controvertido, hacia el mismo objetivo es el uso de las propiedades que alteran la conciencia de los psicofármacos alucinógenos. El LSD encuentra una aplicación de este tipo en la medicina, al ayudar a los pacientes en psicoanálisis y psicoterapia a percibir sus problemas en su verdadero significado. […]

La publicación estándar en este campo es el libro de Robert EL Masters y Jean Houston, Psychedelic Art (Balance House, 1968). Las obras de arte psicodélico no se crean mientras la droga está vigente, sino solo después, el artista se inspira en estas experiencias. Mientras dure la condición ebria, la actividad creativa se ve obstaculizada, si no se detiene por completo. La afluencia de imágenes es demasiado grande y está aumentando demasiado rápido para ser retratada y modelada. Una visión abrumadora paraliza la actividad. Las producciones artísticas que surgen directamente de la embriaguez del LSD, por lo tanto, son en su mayoría de carácter rudimentario y merecen consideración no por su mérito artístico, sino porque son un tipo de psicoprograma, que ofrece una visión de las estructuras mentales más profundas del artista, activadas y tomadas en cuenta. por LSD. Esto se demostró más tarde en un experimento a gran escala realizado por el psiquiatra de Munich Richard P. Hartmann, en el que participaron treinta pintores famosos. Publicó los resultados en su libro Malerei aus Bereichen des Unbewussten: Kunstler Experimentieren unter LSD [Pintura desde las esferas del inconsciente: los artistas experimentan con LSD], Verlag M. Du Mont Schauberg, Colonia, 1974).

Gracias química!

https://www.maps.org/images/pdf/ …

Estoy de acuerdo con Joshua Engel sobre el oficio del arte. No es una perspectiva popular en este momento, especialmente en el campo de la poesía, que es mi propio oficio. Pero la idea básica de que la creatividad depende del oficio, del trabajo, de dominar la técnica, aprender el oficio, estudiar el pasado, es tan cierta en el arte como en la ciencia.

Un punto que agregaría es que la ciencia se basa en el pasado, inevitablemente. Ocasionalmente puede hacer una salida abrupta, un cambio de paradigma, en el encuadre de Kuhn, como cuando las explicaciones de Newton fueron reemplazadas por las de Einstein.

El arte también se basa en el pasado, de una manera que Kuhn observó: una gran cantidad de arte representa el trabajo y la amplificación de un marco preexistente, y luego ocasionalmente aparece alguien: Eliot y Pound en poesía; Picasso, Monet, Cezanne; Bartok y Schoenberg, y cambia el paradigma de maneras que luego generan una nueva generación de arte normativo.

No soy científico, así que no puedo hacer el mismo tipo de mención, pero está claro que la ciencia es una progresión del trabajo, con momentos fundamentales. Así es el arte. Es tan importante conocer la tradición y el contexto en el que se trabaja como conocer el oficio.

Estaba empezando a responder esta pregunta antes, luego me interrumpieron, luego leí la excelente respuesta de Joshua Engel y quise hablar, pero quiero decir que si bien estoy totalmente de acuerdo con sus puntos, de alguna manera me da vergüenza. un artista para pensar que incluso necesitan ser dichas. La artesanía y la tradición me parecen obvias. ¿Quién se sentaría al piano, comenzaría a tocar las teclas y luego lo llamaría música? ¿Quién trataría de escribir o interpretar música sin asimilar el trabajo de Bach, Mozart, Beethoven, Hadyn, Chopin, Lizst, etc.? La pintura y la poesía, de las artes, parecen ser las más presas de una especie de enfoque desinteresado e histórico. No me preocupo por eso. El tiempo nos escribirá a todos al final.

Pero quería hacer un punto diferente, que es que lo que la ciencia tiene que enseñar a los artistas es que la realidad de las cosas es mucho más compleja, maravillosa, misteriosa y hermosa de lo que incluso nuestras mayores obras de éxtasis religioso han concebido, y que la vieja guerra sobre dios y la ciencia es simplemente tonto e irrelevante, ¿quién necesita algún tipo de dios cuando tienes teoría de cuerdas, multiversos y singularidad? La forma de una hoja, la forma en que un perro escucha el automóvil de su dueño a medida que avanza por el camino, son tan hermosos y profundos en sí mismos, de una manera que la ciencia solo nos profundiza. El arte no se opone a la ciencia: debería beber profundamente en su fuente.

Pero no su altar, y este es un punto separado. La ciencia especulativa de los infinitos pequeños y grandes, las partículas nucleares y los bordes del universo, nos trae una gran sensación de asombro. Otras ciencias –y yo incluiría los esfuerzos actuales para reducir la experiencia y el comportamiento humanos a factores mecanicistas– son reduccionistas e incompletos en formas que hacen que sus afirmaciones sean inútiles y sin interés. Cuando comprendamos completamente el cosmos y hayamos logrado una teoría de campo unificado y finalmente logremos la creación en su totalidad, estaré listo para creer que también entendemos la conciencia humana y cómo funciona. Hasta entonces, les daré a los artistas la ventaja sobre nuestros neurocientíficos cognitivos y genios informáticos.

Creo que la pregunta solo tiene fallas de una manera. Los artistas no solo pueden aprender de los científicos, sino de todas las ocupaciones fuera de las artes.

Dicho esto, hay algunas cosas que los artistas pueden aprender de los científicos. Una cosa que destacaría es el método científico. Este método ha permitido a los científicos hacer muchos descubrimientos sobre el mundo. Es la base de cada principio científico que sabemos o creemos que es verdad.

Dicho esto, los artistas no necesitan usar el método científico como lo hacen los científicos. Su uso del método tiene un propósito singular, hacer suposiciones y probar hipótesis.

Los artistas no necesitan seguir esta estructura estricta del método científico, pero pueden usar los principios detrás de cada paso. Esto puede ayudar a aportar una mayor perspectiva a su trabajo. Así es cómo:

Hacer observaciones

Este podría ser el paso más familiar del método científico para los artistas. Como artistas, aprendemos a ver el mundo de una manera que otros no.

Todo lo que encontramos puede conducir a un nuevo descubrimiento. Sin este poder de observación, nuestra perspectiva del mundo y nuestro arte serían menos interesantes.

Cada uno de nosotros pasa por la vida de una manera diferente. Todos nuestros caminos son diferentes. Esa es la belleza de la vida. No importa cuán similares creemos que somos a los demás, cada uno de nosotros es como un copo de nieve, único.

Las observaciones que hacemos y las cosas a las que estamos expuestos ayudan a impulsar nuestra creatividad y arte. Si te sientes atrapado o no escuchas a la musa llamando, recuerda observar el mundo que te rodea. Hay infinitas posibilidades para su arte si solo se toma un momento para buscarlas.

Hacer una pregunta

Como artistas, a menudo nos olvidamos de hacernos preguntas. Nos gusta meternos en las trincheras. Comenzamos a crear sin pensar.

¿Qué pasa si, cuando tuvimos una idea para una nueva obra de arte, nos hicimos algunas preguntas al respecto?

¿Por qué lo estoy creando? ¿Quién es probable que disfrute esta pieza? ¿De cuántas maneras diferentes puedo abordar esta idea? ¿Cómo puedo crear algo que supere mis límites?

Estas preguntas pueden transformar completamente el arte que estamos a punto de crear. La próxima vez que desee poner su pincel en el lienzo, piense un poco antes de comenzar. Puede que te sorprenda lo que sale.

Construir una hipótesis

Con su hipótesis, puede comenzar a mirar las preguntas que se hizo un paso antes. Puede hacer suposiciones sobre sus preguntas e intentar responderlas.

Si te preguntaste por qué estás creando arte, tu hipótesis podría ser que te ayuda a expresarte de maneras que nada más puede hacer.

Si se pregunta a quién le gustará esta pieza, su hipótesis podría ser las mujeres mayores que desean ponerse en contacto con la naturaleza.

Si se pregunta cómo empuja sus límites, su hipótesis podría estar creando en un nuevo medio.

Sus hipótesis no siempre serán correctas, pero le darán un punto de partida para responder sus preguntas. Sin una hipótesis, será mucho más difícil responder la pregunta en cuestión.

Pon a prueba tu hipótesis a través de la experimentación

No es suficiente hacer una hipótesis sobre su pregunta. Debes experimentar para ver si está bien.

Digamos que su hipótesis es gente como mi arte porque representa la naturaleza de una manera que le habla a la audiencia. Una forma de probar esto es cambiando el tema de su arte. Intenta crear arte de paisajes urbanos o personas. También puedes intentar crear arte en un estilo diferente.

Cambiar el tema de su arte pone a prueba la idea de que a la gente le gusta su arte debido a sus representaciones de la naturaleza. El uso de un estilo diferente para sus escenas de la naturaleza pondrá a prueba la idea de que a la gente le gusta la forma en que pinta sus escenas.

Al probar diferentes variables, está llegando al meollo de la pregunta. Te permite ver por qué a la gente le gustó el arte que estabas creando. Esto lo ayudará a concentrarse en las cosas que funcionan y dejar de hacer las cosas que no funcionaron.

Analiza los resultados

El propósito del Método Científico es analizar los resultados de un experimento y llegar a una conclusión. Lo mismo puede decirse de un artista que aplica los pasos del Método Científico.

El punto de seguir estos pasos es para que pueda comprender mejor la pregunta en cuestión. Al seguir estos pasos, comprenderá mejor su trabajo. Puede probar cosas y ver qué funciona y qué no.

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Si bien los artistas no necesitan seguir estos pasos en sentido estricto, pueden aprender de cada paso del proceso.

Los artistas a menudo trabajan desde un estado intuitivo y emocional. Si bien esto puede conducir a un bello arte, no te dice por qué creas arte o por qué a otros les gusta tu arte. Al seguir los pasos del Método científico, puede responder algunas de las preguntas que siempre le han eludido.

Muchos artistas pueden desaprender lo que no es la ciencia. Podrían aprender a entenderlo como una caja de herramientas para ayudar a recomponer los movimientos que animan este mundo, al igual que la perspectiva se usa en las pinturas renacentistas.

Pueden comenzar a entender las matemáticas como un lenguaje, uno que es capaz de expresar dinámicas que las palabras no pueden describir. A diferencia de los lenguajes naturales, los modelos científicos intentan definir fragmentos de realidad y entrelazarlos; nunca los sugiera. Las intuiciones están excluidas del producto final y solo sirven como guías para el mapeo científico del universo. La fuerza del medio científico proviene de la combinación de declaraciones para revelar verdades insospechadas o para arrojar luz sobre el proceso de llegar a las conclusiones esperadas. Se deja muy poco a la interpretación. La ciencia es un edificio coherente que se construye sobre sí misma, a partir de verdades universales, y se transforma en una teoría más amplia a medida que enfrenta contradicciones. Es la herramienta más refinada que tenemos para ilustrar la maravillosa mecánica que nos anima.

Debido a que también se limita a representar estas mecánicas, también sugiere su propia insuficiencia para expresar toda la experiencia humana. Para un artista que existe en un mundo de alegorías, la ciencia puede ayudar a revelar la presencia de patrones similares a escala humana y darles forma. Las elecciones afectivas de Goethe trasladaron la química de las moléculas a la química de los corazones. Flatworld de Abbott sugirió la exploración de espacios de dimensiones superiores para crecer a partir de nuestros prejuicios limitados. Los desarrolladores de videojuegos de hoy en día están componiendo universos de bolsillo donde es posible jugar a ser Dios y presenciar las consecuencias de hacer que sus partículas colisionen; No podemos experimentar este juego de roles sin encontrar algo nuevo sobre nosotros mismos.

Cada artista de Photoshop de hoy tiene una comprensión intuitiva de las curvas de Bezier, pero la mayoría de las matemáticas se le escapan. Él sabe y tal vez aplica la proporción áurea, la secuencia de Fibonacci. Él tiene una vaga comprensión de la teoría del caos y los puntos de inflexión. Domina las herramientas que lo liberan de las molestias de aplicar la perspectiva y sombrearse a sí mismo … ¿Qué pasaría si poseyera estas aptitudes, las entendiera en toda su profundidad y pudiera combinarlas y ajustarlas más allá de los medios del software? ¿Se convertiría en un mejor artista o estaría angustiado por las herramientas y prácticas equivocadas?

Lo que un artista tiene que aprender de un científico es una pregunta profundamente personal. Solo puede depender de lo que este artista desee explorar.

La invención científica de las cámaras expulsó a la mayoría de los artistas occidentales de su zona de confort en el ámbito de las artes modernas. En este evento en particular, los científicos les enseñaron a los artistas que sus responsabilidades no deberían representar únicamente realidades superficales. Deberían profundizar en cómo los humanos perciben el mundo.

Cómo utilizar la tecnología para promover el propio arte. no necesitas ser Miguel Ángel para dibujar estos días; necesitas escribir una biblia y convencer a todos de que eres Dios. Creo que la fama de Internet será la cuna de todos los futuros grandes. Hacer un sitio web con el mismo tráfico que Google es más bien ciencia que arte. Pero si se llama arte y tiene un tráfico comparable con Google, todos eventualmente creerán que es el mejor arte en la Tierra.

El arte es comunicación y la ciencia es un medio poderoso. La forma en que el artista utiliza el medio para comunicarse se deja al nivel de brillantez del artista.
Por ejemplo, Leonardo da Vinci y el uso de la perspectiva.

Que un científico está limitado por la realidad, mientras que un artista no.

Esa calidad no es lo mismo que cantidad, y no se puede reducir a números como parece pensar el bot de Quora.

Que hay una respuesta correcta, que hay algo llamado buen arte: la disciplina no es infinitamente subjetiva.

Ciencias. Siempre ampliará tu visión del mundo.

La verdadera belleza oculta de la naturaleza.